Bic Hoang , une multi-instrumentiste de renommée internationale basée à Vancouver et connue pour son travail avec Khac Chi Bamboo Music, est décédée le 26 juin, à l'âge de 60 ans, après quatre ans de lutte contre le cancer.

Dans la nécrologie de Heather Kitching, Roots Music Canada a noté que « Khac Chi était le premier ensemble de musique traditionnelle du Vietnam avant que le duo mari et femme composé de Bic et Ho Khac Chi ne déménage à Vancouver en 1992 après un concert au Vancouver Folk Music Festival.

"Bic a été la première femme vietnamienne à remporter le premier prix de cithare à une corde, le dan bau, au Concours vietnamien des instrumentistes professionnels. Elle est également considérée comme la première femme à jouer du ko ni, un violon à deux cordes dont les fils de soie sont attachés à un disque que l'on tient dans la bouche afin que celle-ci puisse servir de chambre de résonance à l'instrument.

« Elle se produisait régulièrement à la radio et à la télévision nationales et internationales au Vietnam et recevait fréquemment des invitations à se produire avec les meilleurs ensembles du pays. Après s'être installés au Canada, Bic et Chi ont cherché à adapter leurs performances au public occidental, en introduisant des bouffonneries qui plairont au public comme jouer plusieurs flûtes en même temps en fixant des poires à jus de dinde à leurs extrémités et en les pressant sous les bras ou entre la tête et les épaules.

"Cependant, ils sont restés fidèles à leur vision de jouer uniquement des instruments indigènes au Vietnam."

Le site Web CreateAStir a rapporté que Bic Hoang (également connue sous le nom de Hoang Ngoc Bich) « était une force majeure au sein de l'Orchestre interculturel de Vancouver ainsi que de l'École de musique de l'Orchestre symphonique de Vancouver. Ayant étudié à l'Académie nationale de musique du Vietnam, elle a également joué d'instruments très rares des régions rurales et montagneuses du Vietnam, notamment le koni, le t'rung (xylophone en bambou) et le k'lông pút (tubes de percussion)."

Dans un hommage sur Facebook, le directeur artistique de l'Orchestre interculturel de Vancouver, Mark Armanini, a qualifié Hoang de « musicien remarquable avec un instrument remarquable et un grand sourire ». Il a ajouté : « Le VICO a perdu un véritable allié, un artiste vedette unique et talentueux. Notre lumière s’est estompée avec le décès de Bic Hoang. Merci pour la rivière des souvenirs ; notre gratitude vous va.

Hoang s'est produit dans 25 pays avec des groupes tels que l'Orchestre symphonique national de Lettonie, l'ensemble moderne de Prague, l'Orchestre symphonique national du Vietnam, le World Traditional Instrument Orchestra (aux Philippines) et le Little Giant Chinese Chamber Orchestra (Taiwan). À Vancouver, elle s'est produite avec l'Orchid Ensemble, Uzume Taiko, NOW Orchestra, Vancouver World Music Collective, Vancouver Chinese Music Ensemble et Silk Road Music, ainsi qu'avec Khac Chi Bamboo Music.

Un service funéraire a eu lieu le 3 juillet. La Société du patrimoine culturel d'Asie du Sud-Est a lancé une collecte de fonds GoFundMe pour la famille de Hoang, attribuant ses conseils et son soutien comme des facteurs de croissance et de succès de l'organisation, et la qualifiant d'« artiste exemplaire » et d'« artiste irremplaçable ». mentor et supporter ».

International

Abdul Kareem « Duke » Fakir, le dernier des Four Tops originaux et un pilier de l'âge d'or de la Motown, est décédé le 22 juillet, à l'âge de 88 ans, d'une insuffisance cardiaque.

Une nécrologie de Billboard rapporte que « selon la famille, il était « entouré de ses proches » chez lui dans la région de Détroit ; un associé a déclaré à Billboard qu'il était « heureux (dimanche), qu'il parlait et interagissait, et quand ils se sont retournés pour faire quelque chose , il s'était enfui.»

"Avec ses lunettes et sa monture angulaire, Fakir était sans doute le plus reconnaissable des Tops et a maintenu son leadership au sein du groupe après la mort de Levi Stubbs en 2008, de Renaldo « Obie » Benson en 2005 et de Lawrence Payton en 1997 (son fils Lawrence Payton Jr. fait partie de la formation actuelle)."

Formé à Détroit au début des années 60, The Four Tops a enregistré sans succès pour plusieurs labels - dont Chess, Red Top, Riverside et Columbia - et a soutenu Billy Eckstine avant de signer avec Motown en 1963. Ils ont fait leur première percée lorsque l'équipe de composition et de production de Holland-Dozier Holland a donné à The Tops "Baby I Need Your Loving" au milieu de 1964. Il a atteint la 11e place du Billboard Hot 100, suivi d'une série de succès dont "I Can't Help Myself (Sugar Pie Honey Bunch)", "Reach Out I'll Be There" (ces deux tubes n°1 ), « Debout dans l'ombre de l'amour » et « C'est la même vieille chanson ». Entre 1964 et 1967, ils ont eu 11 succès dans le top 20 et ces deux numéros 1.

Billboard note que « The Four Tops ont travaillé plusieurs fois avec Motown, et en dehors de cette société, ils ont également eu des succès avec « Ain't No Woman (Like the One I've Got), » « Are You Man Enough » et « When She ». C'était ma fille.'"

Les Four Tops ont été intronisés au Rock & Roll Hall of Fame en 1990, au Grammy Hall of Fame en 1998 et au Vocal Group Hall of Fame en 1999. Fakir a accepté un Grammy Lifetime Achievement Award au nom du groupe en 2009. « Reach Dehors, je serai là »a été ajouté au registre national des enregistrements de la Bibliothèque du Congrès en 2022.

Il y a quelques années, Fakir a publié un mémoire, I'll Be There: My Life With The Four Tops , et il travaillait également sur une comédie musicale basée sur l'histoire des Four Tops.

Robin Terry, présidente et PDG du Motown Museum de Détroit, a déclaré à propos de la mort de Fakir : « Il a célébré chaque étape importante de la Motown avec le Musée ; s'est présenté à chaque demande d'entretien ; a encadré nos campeurs et a même été la voix du Motown Museum pendant des années. Duke adorait le musée, mon équipe et moi-même. Duke était unique en son genre et il va beaucoup me manquer."

Le fondateur de Motown, Berry Gordy Jr., a déclaré dans un communiqué qu'il était « profondément attristé » d'apprendre le décès de Fakir, le qualifiant de « membre spécial de notre famille Motown » et que les Tops « m'ont toujours étonné par leur sens du spectacle, leur classe et leur talent artistique. Duke fut le premier ténor – doux, suave et toujours tranchant. Pendant 70 ans, il a gardé intact l'héritage remarquable des Four Tops, et pendant toutes ces années, il n'a jamais manqué une représentation, jusqu'à tout récemment. J’apprécie tellement tout ce qu’il a fait pour les Four Tops, pour la Motown et pour moi… Duke nous manquera beaucoup et sera toujours une partie importante de l’héritage de la Motown.

À noter : Fakir était d'origine éthiopienne et bangladaise. Au milieu des années 1960, il fut brièvement fiancé à Mary Wilson des Supremes.

John Brumwell Mayall, le musicien de blues britannique dont le groupe influent Bluesbreakers était un terrain d'entraînement pour Eric Clapton, Mick Fleetwood et de nombreuses autres vedettes, est décédée le 22 juillet à l'âge de 90 ans.

Une nécrologie de l'AP notait qu'« on lui attribue le mérite d'avoir contribué au développement de la version anglaise du rythme et du blues urbains de style Chicago qui a joué un rôle important dans le renouveau du blues de la fin des années 1960. À plusieurs reprises, les Bluesbreakers comprenaient Eric Clapton et Jack Bruce. , plus tard de Cream ; John McVie et Peter Green de Fleetwood Mac ; Mick Taylor, qui a joué cinq ans avec les Rolling Stones ; Harvey Mandel et Larry Taylor de Canned Heat et Jon Mark et John Almond, qui se sont ensuite formés ; le groupe Mark-Almond.

"Même si Mayall n'a jamais approché la renommée de certains de ses illustres anciens élèves, il se produisait encore à la fin des années 80, martelant sa version du blues de Chicago. Le manque de reconnaissance le dérangeait un peu, et il n'hésitait pas à le dire. "Je n'ai jamais eu de disque à succès, je n'ai jamais gagné de Grammy Award et Rolling Stone n'a jamais écrit un article sur moi", a-t-il déclaré dans une interview accordée au Santa Barbara Independent en 2013. "Je suis toujours un artiste underground. .'»

Mayall a reçu deux nominations aux Grammy Awards, pour « Wake Up Call », qui mettait en vedette les artistes invités Buddy Guy, Mavis Staples, Mick Taylor et Albert Collins, et, en 2022, pour son album The Sun Is Shining Down .

Il a également obtenu une reconnaissance officielle en Grande-Bretagne avec l'attribution d'un OBE (Officier de l'Ordre de l'Empire britannique) en 2005. Il a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame dans la catégorie influence musicale en 2024.

Mayall était un multi-instrumentiste accompli, à l'harmonica de blues, aux claviers et à la guitare, un chanteur avec une prestation agréablement douce et un auteur-compositeur talentueux qui était souvent aventureux dans son approche du genre blues. Des albums des années 70 tels que Jazz Blues Fusion et The Latest Edition présentaient une forte influence jazz et ses formations comprenaient des musiciens de jazz américains notables tels que Blue Mitchell, Ernie Watts et Red Holloway.

Mayall a gagné l'admiration de ses pairs et des musiciens qu'il a employés et encadrés au cours d'une carrière longue et très prolifique, comme en témoigne l'effusion d'affection suscitée par la nouvelle de son décès.

De nombreux artistes de blues canadiens de premier plan se sont rendus sur les réseaux sociaux pour rendre hommage et reconnaître l'impact de Mayall sur leur travail.

Roger Costa, co-administrateur/archiviste de la succession de Jeff Healey, a publié cet hommage sur le site Internet de Jeff Healey : « Triste nouvelle mes amis. La légende de la musique John Mayall est décédé à l'âge de 90 ans. Mayall était l'un des plus influents architectes de la British Blues Invasion En 2000, John Mayall a invité Jeff Healey à jouer sur son album Along For The Ride . Leur collaboration a donné naissance à la merveilleuse chanson « World Of Hurt ».

"Pour Jeff, apparaître sur cet album avait une signification particulière. L'un des premiers et plus grands concerts du Jeff Healey Band était la première partie de John Mayall. En quelques années seulement, Jeff verrait son étoile monter et la situation des journaux allait basculer, avec John s'est retrouvé dans la première place. Jeff a toujours tenu à reconnaître le véritable statut et l'influence de John, en l'invitant à partager la scène et à jouer. Cette démonstration de respect est devenue la pierre angulaire de leur amitié. , amis et d'innombrables fans à travers le monde. Repose en paix, John.

David MacMillan, ancien vétéran des maisons de disques canadiennes, a publié ceci sur Facebook : « La contribution de John Mayall à la scène du blues britannique a été pour le moins énorme. Les groupes qu'il a formés ont toujours été stellaires et, quant à son œuvre, il y a beaucoup d'excellents albums dans son catalogue de près de 100 sorties ; studio, live et compilations.»

"Je suis fan depuis plus de 50 ans lorsque j'ai commencé à écouter la copie de mon frère Bare Wires , qui met en vedette Mick Taylor à la guitare. Le tout premier album que j'ai acheté était USA Union , et plusieurs années plus tard, je me suis assis avec John et lui ai dit que cet album était le début de ma vie musicale. Pendant mon séjour à Eagle Rock, j'ai eu le privilège (et j'étais vraiment excité) de travailler avec John chaque fois qu'il venait au Canada, ce qu'il faisait souvent. Au cours de son séjour chez Eagle Rock, il a sorti de nombreux albums solides, notamment Road Dogs, In The Palace of The King et bien sûr son album 70th Birthday Live avec Eric Clapton, Mick Taylor et plus encore.

Derek Andrews, un promoteur de concerts chevronné de Toronto et, jusqu'à récemment, directeur de la Toronto Blues Society, a déclaré à Billboard Canada : « J'ai présenté John au [club de Toronto] The Diamond, je crois en 1993 ou 1994. Plus qu'un brillant instrumentiste, John Mayall a été un catalyseur de la musique blues moderne. Ses groupes Bluesbreakers avec Eric Clapton, Peter Green et Mick Taylor définissent le son du blues britannique qui a influencé les Rolling Stones, les Yardbirds et des dizaines de groupes qui ont puisé dans les racines de l'histoire des Noirs, le blues, mais en le rendant contemporain et excitant.

"John était intense et concentré. Il a servi dans l'armée mais avait également une formation en publicité. Créatif et discipliné, il a laissé sa marque sur la musique populaire."

Alors qu'il vivait à Londres dans les années 90, le batteur de Hamilton, Pete Lambert (Parkdale Rebels, Crybaby), s'est lié d'amitié avec le fils de John Mayall, Gaz, et a joué dans son groupe The Trojans. Lambert raconte à Billboard Canada que cette connexion « signifiait que je pouvais passer du temps avec John, pas seulement lors de concerts. En 1992, John a décidé qu'il était temps de passer quelques semaines avec ses nouveaux petits-enfants, alors il est venu à Londres et nous ( The Trojans) a fini par jouer un concert avec lui au Gossips à Soho, la maison de Gaz's Rockin' Blues [la résidence de musique populaire de Gaz Mayall].

"A cette époque, le fils de John, Ben jouait de la basse avec nous, donc c'était une affaire de famille, c'est sûr. Joe Strummer était là. Marianne Faithfull est venue avec Pam, la maman de Gaz. C'était un événement unique et exclusif. Un souvenir très spécial. pour moi et j'en suis sûr, pour tous les gars. John est l'un des véritables catalyseurs de l'histoire de la musique britannique et pas seulement du Blues. Mes condoléances à tout le puissant clan Mayall !"

Écoutez ici l'hommage émouvant d'Eric Clapton à son mentor.

Jerry Miller, co-fondateur de Moby Grape et guitariste renommé, est décédé le 21 juillet à l'âge de 81 ans.

Dans sa nécrologie,Billboard qualifie Miller de « l'un des guitaristes les plus aimés et admirés du monde de la musique ».

"Né à Tacoma, Washington, Miller a grandi en jouant dans divers groupes locaux, notamment les Elegants, les Incredible Kingsmen et les Frantics. Alors qu'il n'avait que 23 ans, il a cofondé Moby Grape en tant que guitariste principal aux côtés de Skip Spence (guitare). ), Bob Mosley (basse), Don Stevenson (batterie) et Peter Lewis (guitare). Le nom du groupe, choisi par Mosley et Spence, a été inspiré par la punchline de la blague : « What's big and purple and lives in the Ocean ». ?'

"Le groupe a signé avec Columbia Records et a enregistré quatre albums pour le label entre 1967 et 1969 - leur premier album éponyme en 1967, Wow/Grape Jam en 1968, Moby Grape '69 en 1969 et Truly Fine Citizen en 1969. Moby Grape s'est dissous en 1970, mais ils se sont regroupés en 1971 et ont joué et enregistré de la musique avec divers membres au fil des années. »

Parmi les admirateurs des compétences de Miller en tant que guitariste figurent Robert Plant, qui a reconnu son influence sur Led Zeppelin, et Eric Clapton, qui a surnommé Miller le « meilleur guitariste du monde ».

Don Stevenson, membre de Moby Grape, est maintenant un auteur-compositeur-interprète basé à Toronto, et il a publié cet hommage à son camarade de groupe sur Facebook : On n'a pas beaucoup de meilleurs amis dans la vie. Je pleure la mort de mon meilleur ami depuis 55 ans... jamais un mot dur entre nous. Jerry avait une quantité inépuisable de bonnes choses énergie. L'été dernier, j'ai passé une semaine en Californie avec Michan, Joseph, Jaron, mes amis et ma famille. Le point culminant a été de voir Bob, Gordon, Omar et de passer du temps sur scène avec mon frère Jer.

"Hors scène, nous avons ri et chanté acapella, évoqué des souvenirs, racontant des histoires exagérées à ceux qui étaient intéressés autour de nous. Il est difficile d'imaginer qu'il n'y a aucune chance de recommencer un jour... du moins jusqu'à ce que nous nous rencontrions dans les rues dorées et peut-être faire équipe avec Sonny Terry et Brownie McGhee (chanter ensemble un petit « pois de pain de maïs et mélasse noire »). Il était mon cher ami, un grand conteur, avec l'esprit d'un pirate, un auteur-compositeur-interprète et un guitariste poids lourd. J'ai toujours dit que si John Wayne jouait de la guitare, il voudrait jouer comme Jerry. Il ne me manquera jamais.

"En 2018, j'ai entendu la version de Jerry d'un blues shuffle qu'il a écrit intitulé ' I'm Leaving You'. J'ai appelé Jer, je lui ai dit que j'adorais la chanson et je lui ai demandé si ce serait cool si je l'enregistrais et la mettais sur mon album, Buskin' In The Subway . Grâce à la magie des outils professionnels et au talent de production du garage studio de Dane Clark et Tim Bovaconti, nous avons pu garder la voix de Jerry sur la piste et j'ai pu la chanter avec lui. Mes condoléances à sa famille, ses amis, ses fans et ses musiciens qui ont été touchés par Jerry."

Martin Phillipps , auteur-compositeur-interprète qui a mené le groupe de rock néo-zélandais The Chills au succès international, est décédé le 28 juillet à l'âge de 61 ans. La cause du décès n'a pas été signalée.

Dans sa nécrologie, The Guardian a déclaré que « Martin Phillipps des Chills laisse un héritage d'éclat mélancolique », ajoutant qu'« il a dirigé l'une des brillantes exportations musicales de Nouvelle-Zélande, mais le groupe était aux prises avec la tragédie et ses luttes personnelles ».

Phillipps a été l'un des principaux architectes du soi-disant «son Dunedin» des années 1980, engendré par des groupes néo-zélandais tels que The Chills, The Clean et The Verlaines, tous présents sur la liste du label indépendant Flying Nun. Ce son aura plus tard une forte influence sur de nombreux groupes de rock alternatif aux États-Unis et au Canada.

Les Chills ont eu le plus grand succès commercial de tous les groupes Flying Nun, et un passage sur le label américain Slash Records a vu leur travail être largement diffusé sur les radios universitaires et de rock moderne.

Phillipps a formé The Chills en 1980, alors qu'il était encore adolescent. Il est resté à la tête du groupe tout au long de sa longue carrière, marquée par de nombreux changements de personnel. Le morceau "Pink Frost" (juin 1984) a atteint le top 20 du classement des singles néo-zélandais et est désormais considéré comme un classique du rock kiwi. La même année, le groupe figure dans les classements avec un autre single, "Doledrums", puis avec l'EP The Lost de 1985 et le single "I Love My Leather Jacket" de 1986.

Un album de compilation de 1986, Kaleidoscope World , comprenant leurs premiers enregistrements, atteint la troisième place du UK Independent Albums Chart, et une tournée au Royaume-Uni et en Amérique du Nord suivra. Les archives musicales néo-zélandaises Audioculture ont observé que « remontant entre la Nouvelle-Zélande et la Grande-Bretagne, l'Europe, l'Australie, le Canada et les États-Unis du milieu des années 1980 au milieu des années 1990, The Chills a tourné sans relâche, rassemblant de plus en plus de fans au fur et à mesure, poussant leur pop psychédélique dans la conscience populaire. »

En 1990, le groupe a signé un contrat d'enregistrement mondial avec la marque Slash Records de Warner Brothers en Amérique du Nord. Leur deuxième album studio, Submarine Bells (1990), atteint le numéro un en Nouvelle-Zélande et fournit leur single international le plus élevé, "Heavenly Pop Hit". Il a atteint la 17e place du Billboard Alternative Airplay Chart, leur seule apparition dans les classements américains.

Le troisième album studio du groupe, Soft Bomb (1992), a atteint la troisième place en Nouvelle-Zélande ; tandis que son premier single, "The Male Monster from the Id", a atteint le top dix. Un quatrième album, Sunburnt de 1996, a été crédité à Martin Phillipps and the Chills, et a été suivi d'une longue interruption de l'enregistrement. Phillipps a sorti un album solo de démos maison, Sketch Book: Volume One , en 1999.

Le profil Audioculture de 2014 notait que « le recueil de chansons bombé de Phillips est devenu un albatros et que la toxicomanie et la dépression ont gâché son chemin à la fin des années 1990 et au nouveau millénaire, ne permettant que des éclairs de génie depuis ». Il surmontera plus tard ces défis, réémergeant comme une puissante force créatrice.

Silver Bullets de 2015 était le premier album studio des Chills en 19 ans, suivi de Snow Bound (2018) et de Scatterbrain de 2021, leur septième album studio. Une nouvelle version intitulée Springboard: Early Unrecorded Songs était en cours au moment de la mort de Phillipps. Le groupe a continué sa tournée, y compris un trek en Amérique du Nord en 2022.

En mars 2019, un film documentaire, The Chills: The Triumph & Tragedy of Martin Phillipps , a exploré l'histoire du groupe et la lutte contemporaine de Phillipps contre l'hépatite C. Il a été créé au SXSW et est sorti en salles en Nouvelle-Zélande et en Australie.

Le fondateur d'Audioculture, Simon Grigg, a rendu cet hommage : « Nous avons perdu Martin aujourd'hui et un pays est triste ; une communauté et toute une génération pleurent un musicien et un homme qui, peut-être plus que tout autre, a défini une époque où nous avons grandi musicalement simplement. Puis j'ai fait connaître cette merveilleuse musique au monde."

Lisez une nécrologie Billboard de Phillips ici.

Découvrez un article détaillé sur Martin Phillipps et The Chills in Audiocultureici.