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Une conversation avec Hill Kourkoutis, productrice nommée aux Juno 2024

Nommée pour son travail avec Aysanabee et Tafari Anthoni, la productrice, mixeuse, autrice-compositrice et artiste a une carrière à multiples facettes.

Hill Kourkoutis

Colline Kourkoutis

Laura Joie

Hill Kourkoutis est devenue une pionnière de l'industrie musicale. Originaire de Toronto, la productrice, mixeuse et autrice-compositrice d'origine grecque, lauréate d'un prix Juno, a laissé une marque durable sur la scène musicale, car elle a collaboré avec des artistes aussi divers que Aysanabee, Leela Gilday et Digging Roots.

En tant que femme qui a brisé les plafonds de verre dans le domaine dominé par les hommes de la production musicale, Kourkoutis est un symbole d’innovation et de résilience. Kourkoutis est entrée dans l'histoire en 2022 en tant que première femme à être nommée et à recevoir un prix Juno comme ingénieure d'enregistrement de l'année et en 2024, elle est nommée pour le prix Jack Richardson Producteur de l'année pour son travail sur l'album Watin d'Aysanabee.


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Opérant principalement depuis son studio, The Lair, Kourkoutis a produit et écrit pour un formidable éventail d'artistes, couvrant des genres allant de la pop/rock alternatif aux racines contemporaines. Du remixage de morceaux pour July Talk et Jill Barber à la composition de musique pour des émissions telles que Dino Ranch et Thomas & Friends: All Engines Go , elle continue de repousser les limites artistiques.

En tant que musicienne de session chevronnée et interprète live, Kourkoutis a partagé la scène avec des artistes comme The Weekend, Serena Ryder et Martha and The Muffins. Son projet solo collaboratif, Hill & The Sky Heroes , reflète ses diverses influences musicales et son approche innovante du son.

Billboard Canada s'est entretenu avec Kourkoutis avant les Juno 2024 pour parler de sa carrière aux multiples facettes.

Vous avez travaillé avec le regretté artiste canadien Tim Thorney. Comment a-t-il influencé votre carrière?

Tim suivait ma carrière lorsque je me concentrais sur le métier d'artiste et il est arrivé lorsque j'ai fait la transition [vers la production]. J'étais toujours en tournée avec d'autres artistes et j'ai pris la décision consciente de me concentrer sur l'ingénierie de production. Tim est intervenu et est devenu un immense champion de mon travail et de celui de mon travail. Il m'a ouvert tellement de portes et m'a fait entrer dans le cinéma et la télévision et dans la composition de tous les projets qui semblaient, pendant un certain temps, passer par Villa Sound. Il disait: «Je veux que tu coproduises ça avec moi.» Cela n'a pas commencé avec Tim, mais Tim a indéniablement déclenché ma transition.

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Avez-vous travaillé en studio avec lui?

Je l’ai fait, mais j’ai aussi fait beaucoup de travail à distance. Je suis allé à Villa Sound plusieurs fois et il avait un excellent flux de travail avec Adam Fair. Ils m'envoyaient des trucs, leurs stems, et je les suivais et les programmais dans mon studio et je les renvoyais. Mais Tim et moi étions toujours en contact. La plupart de mes matinées commençaient par un appel téléphonique d'une heure avant que nous nous plongions tous les deux dans le travail en studio. Nous parlions de projets ou de quoi que ce soit, partagions simplement des histoires, des expériences.

Vous avez commencé à travailler dans l’industrie de la production alors que la technologie new age émergeait. Cette technologie a permis à tout le monde d’avoir accès aux mêmes outils. Comment s’est déroulée la navigation dans un paysage où les outils du métier étaient plus accessibles et démocratisés?

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Quand j'avais 13 ans, j'étais dans mon premier groupe, que j'avais créé avec un groupe de filles de mon école réservée aux filles. Je ne savais pas comment me lancer dans l'industrie, alors j'ai commencé à envoyer des courriels à tous ces artistes que j'admirais, et quelques-uns m'ont répondu en me donnant des conseils. L’un d’eux est venu à l’une de nos répétitions et nous a proposé d’enregistrer notre démo. C'était Andrew Franey d'un groupe appelé Smoother, et il a apporté son ordinateur dans le sous-sol de mes parents, où nous avions tous nos instruments installés pour la pratique. Il a enregistré notre première démo, et ça a été un catalyseur pour moi. Qui aurait cru qu'il fallait aller dans un studio d'enregistrement pour enregistrer de la musique?

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C'était ma première idée de ce qu'était une production de chambre à coucher. Et puis j’ai commencé à tomber dedans après. Donc à partir de ce moment-là, je suis devenu autodidacte. J'avais téléchargé un DAW (station de travail audio numérique) code ouvert appelé Cool Edit Pro, j'avais un micro d'ordinateur et j'avais commencé à m'enregistrer. À partir de là, c’est devenu plus sophistiqué. L’équipement hors-bord était coûteux à l’époque, et maintenant nous avons des plugiciels. Un monde différent.

Après avoir fait cela pendant un certain temps et enregistré des disques, j'adore utiliser du matériel hors-bord. Il y a une belle qualité. Ma configuration de studio est une ambiance hybride, analogique et numérique. Je pense que c'est formidable de pouvoir compter sur ces méthodes incroyables du passé, mais aussi de bénéficier de cette accessibilité et du flux de travail du futur.

Des artistes comme Jacob Collier et Billie Eilish enregistrent entièrement dans leur chambre.

Et il n’y a rien de mal à cela. Cela devient accessible aux gens. C'était le moment pour moi aussi. J'ai appris que j'aime travailler dans les studios, mais je fais la plupart du travail dans mon studio, qui se trouve au sous-sol de ma maison. Allez là où il y a l'ambiance, c'est la chose la plus importante.

Vous êtes-vous inscrit à des cours ou avez-vous parcouru votre chemin de manière indépendante pour maîtriser ces compétences?

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J'ai beaucoup appris par moi-même, mais dès que j'en avais l'occasion, lorsque j'étais en studio, travaillant avec d'autres producteurs ou ingénieurs du son, je m'asseyais à côté et observais tout ce qu'ils faisaient. J'ai eu une éducation. C'était informel et je posais des questions. C'était beaucoup d'essais et d'erreurs.

Google était relativement nouveau. J'ai commencé à chercher des ressources. Je regardais un magazine «tape op». Il y avait de nombreuses ressources autour de moi qui me permettaient de me frayer un chemin tout au long du processus. La partie la plus excitante pour moi est d'observer comment d'autres personnes le feraient parce que j'ai réalisé qu'il y a des règles fondamentales en matière de son et d'enregistrement, mais c'est créatif dans le sens où tout le monde fait les choses différemment. Et il n’y a pas de règles à cela. C'est dans l'esprit, les oreilles et la façon dont vous voyez les choses.

Travailler avec un artiste, c'est instaurer la confiance. Dans quelle mesure cela est-il interpersonnel?

La partie fondamentale de mon processus consiste à apprendre à connaître un artiste avant de commencer un projet, à établir cette base et à établir cette confiance, et à avoir une idée de ce que l'artiste aime et n'aime pas, quelle est son esthétique. C'est essentiel pour le processus, parce que je travaille dans plusieurs genres, c'est facile d'aller partout.

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Si j'ai commencé avec une toile vierge avec tous les outils disponibles, j'aime affiner la palette sonore au fur et à mesure que nous avançons dans le processus. Et cela ne veut pas dire que nous n’expérimentons pas. Est-ce que ça va être quelque chose de super présent et brut, ou est-ce que ça va être quelque chose d'un peu plus aérien et spatial? Cela me donne une direction à suivre. Je pourrais affiner bon nombre de ces choix. Ce n'est pas mon travail d'imposer ma vision. Je suis là pour faciliter et aider à développer leur vision.

Collaborer avec un groupe comme Digging Roots implique de capturer différentes phases de leur évolution. Comment avez-vous réussi à résumer leur esprit actuel?

ShoShona et Raven sont deux de mes amis les plus chers. Nous avions beaucoup de confiance et d’amitié dans ce projet, ce qui, je pense, était nécessaire. Ils n'avaient pas enregistré d'album depuis un moment, donc ils savaient que ça allait être différent. Durant cette période, il y a eu une évolution importante. Ils avaient quelques idées sur ce qu'ils attendaient du nouvel album sur le plan sonore, mais il y avait aussi une tonne de chansons dont ils s'inspirent.

Ce qui a rendu les premières étapes de ce processus vraiment spéciales, c'est l'opportunité qu'elles m'ont offerte d'explorer un large éventail de chansons et de libérer pleinement ma créativité. Nous avons commencé ce disque avant la pandémie, puis nous y avons travaillé tout au long de la pandémie. Il y a eu beaucoup d’allers-retours et d’exploration avec ça. Et on n'a pas toujours ce luxe sur un album, d'en explorer toutes les facettes. Ce n'est pas comme si nous avions une date limite à respecter, ce n'était pas nécessairement aussi intense que certains autres projets. C'était un cadeau, c'est sûr.

La reconnaissance arrive pour votre collaboration avec Aysanabee. Il est évident que vous avez dû consacrer tout votre cœur et votre âme à cette entreprise.

J'ai l'impression de mettre tout mon cœur dans chaque album ou single sur lequel je travaille, car il y a toujours une artiste en moi. C'est autant mon projet en termes de ce que j'y investis et de ce qu'il signifie pour moi. Watin était un album extraordinaire et important car il racontait l'histoire du grand-père d'Aysanabee, qui était un survivant des pensionnats. Nous voulions rendre justice au projet, raconter l'histoire de son grand-père et lui rendre hommage. Il y avait certainement une attention particulière à cela.

Vous êtes nommée pour un prix Juno pour le prix Jack Richardson du producteur de l'année pour l'album. Qu’est-ce que ça fait de vivre avec cette reconnaissance?

Je suis également nommée pour la chanson «Whiskey Bar» de Tafari Anthony. Je me sens très reconnaissant de faire partie de ces projets importants, où ces artistes mettent tout en œuvre et sont sincères. C'est un honneur d'être invité dans cet espace et de contribuer à faciliter cela. Nous ne faisons pas ces choses pour les distinctions. Mais quand ces choses arrivent, cela signifie beaucoup que les gens soient en résonance avec le travail que nous créons. Ce que nous essayons de faire en diffusant cela, c'est de nous connecter avec les gens et de découvrir des vérités ou de créer un lien émotionnel avec eux. Cela signifie toujours beaucoup pour moi.

En équilibre entre les rôles d'ingénieur, de producteur, d'artiste, d'auteur-compositeur, de compositeur et de défenseur de la culture, devez-vous soigneusement allouer du temps pour chaque aspect?

Je pense qu'ils sont liés, car pour moi, cela se résume à l'expérience humaine. Autant c'est mon travail, autant c'est ma vie. Je pense à l'aspect humain de tout projet que je réalise. Je veux tirer quelque chose de cette expérience. Je veux apprendre quelque chose. Toutes ces choses se nourrissent mutuellement et aident à raconter des histoires et à documenter ces histoires. Tout est symbiotique pour moi.

Lorsque vous avez plusieurs projets en cours en même temps, comment les planifier?

Je dis simplement oui, et d’une manière ou d’une autre, les délais sont respectés. Il y a une situation étrange où je dois refuser quelque chose simplement parce que quelqu'un voulait quelque chose hier, et ce n'est physiquement pas possible. Plusieurs singles sortiront prochainement. Je travaille avec un artiste nommé Sebastian Gaskin, qui me passionne. Pour une autre artiste nommée Carlin, Damhnait Doyle, et moi avons écrit ses nouvelles chansons, ce qui me passionne. Je suis également sur le point de terminer mon prochain disque. Il se passe juste beaucoup de choses.

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