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Nécrologies: Denis Parker, Jim Heineman et plus

Cette semaine, nous soulignons également le décès de Mojo Nixon, Damo Suzuki, Seiji Ozawa et Donald Kinsey.

Denis Parker

Denis Parker

Alick Tsui

Jim Heineman, saxophoniste de jazz, compositeur et chef d'orchestre chevronné de Toronto, est décédé le 6 février à l'âge de 80 ans.

Heineman est né et a grandi à New York, et il s'est immergé dans le jazz dans les clubs de cette ville. Il s'installe à Toronto en 1963, obtient un diplôme en arts libéraux à l'Université de Toronto et présente des concerts de jazz au Convocation Hall de grands noms tels que Sonny Rollins et Keith Jarrett.


Après des études ultérieures à Harvard et au Berklee College of Music, Heineman dirigeait son propre club de jazz, The Strawberry Patch, à Yorkville, à son apogée dans les années 1960.

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Au cours des décennies qui ont suivi, il a joué régulièrement dans des clubs torontois tels que The El Mocambo, The Cotton Club, El Mocambo, George's Spaghetti House, Basin Street, The Blue Note et The Top of the Senator. Lui et son coéquipier John T. Davis, jouant sous le nom du Jim Heineman/John T. Davis Quartet (avec Mark Hundevad et Steve Briggs), sont reconnus pour avoir transformé le Rex Hotel en un centre de jazz, via une période de 80 semaines en tant que première maison. groupe.

Le couple a fait l'objet d'un film documentaire, Brothers In Music , projeté dans des festivals de jazz internationaux et présenté à l'émission Adrienne Clarkson Presents de la CBC en 1996. Heineman a également été l'acteur et instrumentiste vedette dans un court métrage primé de 1988 intituléVoler des images.

Il s'est produit dans des festivals tels que le Festival international de jazz de Jacksonville, le Pirate Jazz Festival aux îles Caïmans (avec le Kingsley Etienne Quartet) et les festivals Luminato et TD Jazz de Toronto.

Au cours de sa carrière, Heineman a joué avec des vedettes du jazz telles que Roland Kirk, Sonny Stitt, Lenny Breau, Hilario Duran, Diane Brooks et Mary Lou Williams. Musicien polyvalent, il a également joué dans des groupes notables de jazz latin, de musique du monde, de R&B, d'avant-garde et de blues. En 1999, il a joué sur le premier album de Madagascar Slim (et lauréat d'un prix Juno), Omnisource.

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En 2011, Mark Hundevad et Lucya Almeida ont produit un enregistrement live présentant les compositions de Heineman intitulé Rh Positive , et sa chanson titre a été nommée pour un International Independent Music Award. Un autre enregistrement sur CD live, Nature Is Our Mother, a suivi en 2014.

Avec John T. Davis et quelques autres, Heineman a contribué au lancement du Cabbagetown Community Arts Centre. Offrant des opportunités artistiques aux enfants défavorisés de Toronto, ce centre est toujours florissant aujourd'hui et Heineman y enseignait régulièrement.

À noter: le fils de Jim Heineman, Max Malone (anciennement Heineman) est un musicien bluegrass acclamé (Foggy Hometown Boys, Lonesome Ace Stringband).

En savoir plus sur la vie et la carrière de Jim Heineman ici.

Une célébration de la vie sera annoncée à une date ultérieure.

Denis Parker, un célèbre musicien de blues qui a passé plus de 50 ans à écrire et à jouer de la musique à Terre-Neuve-et-Labrador, est décédé à l'âge de 78 ans.

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Une nécrologie de CBC News déclare que «ses collègues musiciens se souviennent de Parker comme d'un pionnier et d'une force majeure de la scène blues de St. John's. Il a également passé des années à la tête de MusicNL, où il a soutenu d’autres musiciens.»

Né en Angleterre, Parker a commencé sa carrière musicale là-bas, avant de déménager à St. John's en 1971. L'un de ses premiers groupes, Panama Limited Jug Band, a signé sur le prestigieux label indépendant Harvest et a sorti quelques albums aux accents de blues.

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CBC se souvient d'une entrevue de 2019 avec le St. John's Morning Show, dans laquelle «Parker se souvenait de la date et de l'heure exactes de son arrivée dans la province: le 4 novembre 1971 à 13h30.»

«Il a dit qu'il était venu dans la province après avoir rencontré à Londres des musiciens terre-neuviens qui jouaient avec le groupe Lukey's Boat. Il a dit qu'il «ne faisait pas grand-chose» à l'époque, alors lorsqu'il a été invité à Terre-Neuve-et-Labrador pour monter un groupe, il a sauté sur l'occasion.»

«Ce groupe était Mantis, le premier groupe avec lequel il s'est produit dans la province. On se souvient de Parker comme de quelqu'un qui jouait toujours du blues sur sa guitare dans les pubs et bars locaux de la ville.»

La nouvelle de son décès a suscité de nombreux hommages élogieux sur les réseaux sociaux. En voici quelques-uns:

Adam Lewis (Planetary Group): «Je suis vraiment désolé d'apprendre que mon ami Denis Parker est décédé. Il a cru très tôt au Planetary. Il y a plus de 20 ans, j'ai amené des artistes de Terre-Neuve à Boston dans le cadre d'une mission commerciale que nous avons organisée pour parler aux artistes à plusieurs reprises.»

«Il a également signé chez Harvest Records à la fin des années 60. Il avait beaucoup d'histoires de Pink Floyd, etc. à raconter. J'ai regardé la première victoire de Tom Brady au Super Bowl avec lui à Terre-Neuve. Un grand ami du Planetary Group. Je l'ai adoré, mon cher. Le monde est un peu plus sombre sans lui.»

Raoul Bhaneja (musicien de blues de Toronto): «Mon ancienne émission Raoul's Blues qui était sur Jazzcast présentait un épisode à St. John's il y a trois ans, et elle présente des chansons, des morceaux préférés, des interviews et même un jam avec le grand Denis Parker. des histoires et des idées incroyables sur sa vie musicale et son expérience à Terre-Neuve. Plus tard au cours de ce voyage, j'ai eu l'occasion d'enregistrer des morceaux pour son album Country Blue, ce qui a été un véritable honneur.»

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«Hier soir, nous lui avons dédié une chanson au Blues Summit à Toronto et il y avait toutes sortes de signes, des coïncidences en vue à gauche, à droite et au centre, mojo, peu importe comment vous voulez l'appeler et lui et sa mémoire étaient très présents.»

Rob Oakie (Music PEI): «Nous avons perdu l'un des très bons musiciens ce week-end. Denis Parker était une légende. Il adorait jouer du blues, mais je l'ai d'abord connu comme un champion de la musique et des musiciens de Terre-Neuve-et-Labrador. Denis en faisait partie des premiers directeurs généraux de Music NL, l'une des premières associations provinciales de l'industrie de la musique au Canada.»

«Denis était l'un de mes mentors et m'a appris ce que signifiait être un ardent défenseur de nos artistes. S'asseoir autour de la table avec lui a toujours été une éducation et J'ai appris beaucoup de lui. Il était généreux et bien sûr très amusant à côtoyer. J'ai adoré quand il nous a régalés de quelques histoires étonnantes de ses débuts en Angleterre. Denis était unique en son genre, mes plus sincères condoléances vont à sa famille, à sa famille Music NL et bien sûr à la légion d'amis qu'il a rassemblés en cours de route. Jouez avec un ami.»

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Mark Critch (acteur, auteur): «Un autre grand nous a quittés. La musique de Denis Parker a attiré mon frère vers le Blues. Nous l'adorions et nous faufilions dans des concerts avant d'être mineurs. Lorsque nous créions nos chambres pour Son Of A Critch, il y avait être des cassettes et des affiches de Denis Parker.»

«Quelle vie! Il a enregistré à Abbey Road, a dirigé Music NL pendant des années et a écrit une musique incroyable qui vivra pendant des générations. Je chérirai chaque instant que nous avons passé ensemble. Je l'ai vu pour la dernière fois cet été pour un match de football au Duke . Je me souviendrai de lui comme ça, avec ce sourire de 1000 watts. Bravo, mon pote. Une fois autour du port.»

International

Donald Kinsey, guitariste et chanteur américain, surtout connu comme membre du groupe d'accompagnement de Peter Tosh, est décédé le 6 février à l'âge de 70 ans. La cause du décès n'a pas été signalée.

Donald Kinsey était l'un des trois fils de l'artiste de blues de Chicago, Big Daddy Kinsey.

En plus de travailler avec la légende du reggae Tosh, Kinsey a tourné et enregistré avec Albert King, Bob Marley and the Wailers et Roy Buchanan. Il était en fait présent chez Marley à Kingston, en Jamaïque, lorsque des assassins ont tenté de tuer Marley en 1976.

En 1984, Kinsey et ses frères Ralph et Kenneth forment le groupe de blues The Kinsey Report, un groupe devenu connu internationalement. Donald Kinsey a également fait de nombreuses tournées avec le Wailers Band, composé de musiciens qui avaient joué avec Marley dans les années 1970.

En 2020, Kinsey figurait sur l'album du Wailers Band, One World, nommé pour le prix du meilleur album reggae aux Grammys.

Parmi les autres artistes présentant Kinsey sur leurs albums figuraient Burning Spear, Betty Wright, Morgan Heritage etGrand papa Kinsey.

Mojo Nixon (Neill Kirby McMillan Jr.), chanteur, auteur-compositeur et animateur de radio rock'n roll américain, est décédé le 7 février, à l'âge de 66 ans, d'une crise cardiaque alors qu'il participait à une croisière Outlaw Country au cours de laquelle il se produisait.

Ses plateformes de médias sociaux ont rapporté la nouvelle de cette façon: «Mojo Nixon: La façon dont vous vivez est la façon dont vous devriez mourir. Mojo Nixon était à fond, grand ouvert, dur comme de la pierre, un porc de racine, un virage sur deux roues + en feu… Passant après un spectacle flamboyant, une nuit endiablée, un bar fermé, ne faire aucun prisonnier + un bon petit-déjeuner avec les camarades du groupe et ses amis… Un événement cardiaque sur l'Outlaw Country Cruise est à peu près normal… et c'est exactement comme ça qu'il a fait.»

«Mojo a quitté le bâtiment. Comme Elvis est partout, nous savons qu'il l'attendait dans la ruelle. Que le ciel nous aide tous.»

Une nécrologie de Billboard notait que «Nixon, né en Caroline du Nord, s'est rendu en Californie au début des années 1980 et a fait équipe avec le musicien Skid Roper, avec qui il a sorti six albums entre 1985 et 1990. Roper jouait de la planche à laver pendant que Nixon jouait de la guitare et chantait. Leur projet Bo-Day-Shus!!! de 1987, qui comprenait «Elvis Is Everywhere», a culminé à la 187e place du palmarès des 200 albums Billboard.»

«Nixon a également atteint les classements Billboard avec "Debbie Gibson Is Pregnant With My Two-Headed Love Child", un tube numéro 16 au Alternative Airplay de son album Root Hog or Die avec Skid Roper (numéro 151 sur le Billboard 200 en 1989) , ainsi que "Don Henley Must Die" – de l'album solo de Mojo de 1990, Otis – qui était un succès n°20 sur Alternative Airplay.»

Il a également joué avec les Toadliquors, Pleasure Barons et avec Jello Biafra.

Nixon a également trouvé du travail en tant qu'acteur, apparaissant dans le biopic de Jerry Lee Lewis de 1989, Great Balls of Fire et dans le rôle de Toad dans le film Super Mario Bros. de 1993.

Il était également un animateur de radio par satellite très apprécié dans l'émission SiriusXM Loon in the Afternoon sur la chaîne Outlaw Country de Steven Van Zandt.

Un documentaire sur Nixon, The Mojo Manifesto: The Life and Times of Mojo Nixon , a fait ses débuts au festival du film South by Southwest 2022 et est sorti numériquement en mars de l'année dernière.

Nixon s'est lié d'amitié avec de nombreux types et groupes de l'industrie canadienne au cours de sa carrière, et certains d'entre eux se sont tournés vers les médias sociaux pour présenter leurs condoléances.

Le vétéran de l'industrie, Mark Smith, a travaillé avec Nixon chez Cattle Prod à Vancouver, puis chez Enigma Records Canada, développant une amitié étroite. Sur Facebook, Smith a partagé ces réflexions: "La magie était que Mojo se divertissait et nous étions tous dans la pièce pour regarder.»

«Vous pouvez voir que dans les entrevues, quelque chose sortait de sa bouche qui n'avait jamais été dit auparavant et il riait. Pas son rire de Foghorn Leghorn, mais un rapide coup d'œil sur le côté et un petit rire. Pas seulement dans les entrevues, cela se passait dans le van, ou en mangeant des crêpes au coude à coude. Quelques heures plus tard, ce serait dans un spectacle.»

«Le fait que vous et Scott Reilly ayez rendu la pareille avec tant de gentillesse à mes parents qui vous ont donné un lit pour dormir et des TARTES, lors de votre passage à Edmonton, en dit long. Votre maman et votre papa canadiens vous aimaient, ils avaient même des chemises de bowling [pré-rétrécies et pré-puant] a fait qui disait "Mojo's Mom" et "Mojo's Dad".»

«Nous nous sommes rencontrés par hasard lorsque le promoteur de Vancouver n'a pas voulu venir chercher une chambre d'hôtel et nous a payé 10 $ pour vous laisser dormir par terre chez Cattle Prod. Les 10 $ les plus élevés que j'ai jamais gagnés. Allez en déchirer une nouvelle à Satan...»

Smith explique à Billboard Canada que «j'ai travaillé avec Mojo bien avant Enigma. En fait, Mojo a appelé Enigma Canada pour me dire qu'ils devaient m'embaucher sinon il partais. Je l'ai connu chez CattleProd avec Jay Scott, et puis Enigma avait 4 ans. J'ai réfléchi, mais nous sommes restés amis, je lui ai parlé de Jay il y a quelques semaines.»

Le directeur de Slaight Music, Derrick Ross, dirigeait Enigma Canada lorsque le label distribuait les albums de Mojo Nixon à la fin des années 80. Il raconte à Billboard Canada: «Je me souviens de l'époque où nous faisions la promotion de «Elvis Is Everywhere», et Mark [Smith] déguisé en Elvis et moi étions le colonel Tom. Nous avons récupéré les programmeurs dans une limousine et leur avons diffusé la vidéo, etc., puis nous avons parcouru la rue Yonge avec Mark saluant à travers le toit ouvrant pendant que nous distribuions des dépliants pour la disponibilité du nouveau disque au détail! JOURNÉE AMUSANTE. Nous avons adoré travailler avec Mojo et son équipe. Juste un grand artiste et beaucoup de plaisir!!»

Brian Hetherman, directeur artistique et directeur artistique du label canadien, a publié cet hommage sur Facebook: «Une très triste nouvelle concernant la légende qu'était Mojo Nixon, décédé hier. Son émission SiriusXM était toujours divertissante et ses soirées pendant SXSW au Continental Club étaient inégalées. et comment pouvez-vous battre des chansons comme «Elvis is Everywhere» et «Don Henley Must Die».»

«La première fois que j'ai rencontré Mojo, c'était au Saxon Pub à Austin. Il était en mode Mojo complet, mais il m'a laissé sortir et parler avec lui parce que j'étais du Canada et je connaissais Mark Smith et Derrick Ross, qu'il aimait depuis leurs journées de travail ensemble. Je dirais Rest in Peace Mojo, mais je sais que ce n'est pas ce que vous voudriez, alors Rage in Peace!!»

Seiji Ozawa, chef d'orchestre de renommée mondiale et lauréat d'un Grammy, est décédé le 6 février d'une insuffisance cardiaque, à l'âge de 88 ans.

La nécrologie de l'AP note que «le célèbre maestro japonais a dirigé l'Orchestre symphonique de Boston de 1973 à 2002, plus longtemps que tout autre chef d'orchestre au cours des 128 ans d'histoire de l'orchestre. De 2002 à 2010, il a été directeur musical de l'Opéra d'État de Vienne».

Alors qu'il était au BSO, Ozawa a attiré des vedettes du classique telles que Yo-Yo Ma pour qu'elles se produisent. Le travail télévisé avec l'orchestre a valu à Ozawa deux Emmy Awards.

Le Canada a également joué un rôle important dans la carrière d'Ozawa. Dans sa nécrologie, CBC a noté qu'«en 1965, l'Orchestre symphonique de Toronto a réussi un coup d'État en choisissant Ozawa pour succéder à Walter Susskind en tant que quatrième directeur musical de son histoire. Ozawa venait tout juste de terminer un deuxième mandat en tant que chef adjoint de l'Orchestre philharmonique de New York sous la direction de son mentor de toujours Leonard Bernstein.»

«En plus des représentations au Massey Hall de l'époque, le TSO d'Ozawa jouerait l'inauguration officielle de l'hôtel de ville en 1967. "Un meilleur orchestre est important, non seulement pour des raisons musicales mais aussi pour des raisons sociales", a-t-il déclaré au Globe et Mail en 1967. "Les Torontois estiment que [l']orchestre est important, comme une équipe de hockey ou de baseball." Ozawa fut directeur du TSO de 1965 à 1969.»

Il a également été directeur artistique et fondateur du Saito Kinen Festival, un festival de musique et d'opéra japonais. Ozawa a remporté le prix du meilleur enregistrement d'opéra aux 58e Grammy Awards en 2016 pour Ravel: L'Enfant et les Sortilèges, enregistré au Festival Saito Kinen de Matsumoto 2013, au cours duquel il a dirigé l'Orchestre Saito Kinen.

La même année, il est nommé membre honoraire de la Philharmonie de Berlin et citoyen d'honneur de Tokyo.

Pour en savoir plus, consultez la nécrologie de Billboard Japanici.

Damo (Kenji) Suzuki, un musicien japonais aventureux surtout connu pour être l'ancien chanteur du groupe de rock progressif allemand Can, est décédé le 9 février à l'âge de 74 ans. La cause du décès n'a pas été annoncée, mais Suzuki avait reçu un diagnostic de cancer du côlon en 2014.

Né à Kobe, au Japon, Suzuki a déménagé en Allemagne à la fin des années 1960. Il a remplacé le chanteur original de Can, Michael Mooney, en 1970, après avoir été découvert par Holger Czukay et Jaki Liebezeit de ce groupe dans la rue à Munich.

Le premier album complet du groupe avec Suzuki était Tago Mago en 1971, et il est resté avec Can pour leurs albums phares Ege Bamyasi en 1972 et Future Days en 1973.

Une nécrologie du Guardian a noté que «Le style de chant improvisé de Suzuki – mélangeant des mots en anglais, en japonais et dans ses propres langues inventées – est devenu la clé du son de Can.»

«Entre 1970 et 1973, il a mené le groupe jusqu'à son apogée incontestable, y compris un trio d'albums aussi audacieux et révolutionnaires que n'importe quel autre dans le canon du rock du XXe siècle : Tago Mago, Ege Bamyasi et Future Days . Des musiciens tels que David Bowie, Radiohead et Les Talking Heads ont tous cité le groupe allemand comme une influence.»

En 1973, Suzuki quitte le groupe et abandonne la musique pendant une décennie après être devenu témoin de Jéhovah. À son retour, il part en tournée internationale, faisant appel à des musiciens locaux et se produisant sous le nom de Damo Suzuki's Network. Il s'est produit au Wavelength Festival de Toronto en 2003, au This Ain't Hollywood de Hamilton et dans d'autres salles et festivals canadiens. Il a enregistré de nombreuses sorties en réseau et en solo au cours des décennies suivantes.

Un mémoire, I Am Damo Suzuki (co-écrit avec Paul Woods), a été publié en 2019, et Suzuki a été présenté dans le documentaire 2022 de la réalisatrice Michelle Heighway, Energy .

Apprenez-en davantage dans cette nécrologiede Billboard.

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