Voici le rapport national des ventes de Luminate Data Market Watch de cette semaine, qui présente des statistiques sur les ventes d’albums canadiens, l’écoute en continu, les ventes numériques et plus encore.
Voici le rapport Luminate Data Market Watch de cette semaine, qui présente les statistiques de la musique canadienne pour la période en cours ainsi que les données cumulées depuis le début de l’année, accompagnées de comparaisons avec l’an dernier. Ce tableau est publié chaque mardi. L’abréviation « TEA » désigne les ventes de titres téléchargés. Un album équivalent à un titre correspond à 10 titres, soit 10 chansons.
Sandy Pandya
À l’approche de la remise du prix spécial Walt Grealis aux Prix Juno 2026, la fondatrice d’ArtHaus revient sur la durabilité, le mentorat, l’avenir de la musique indépendante et la communauté dynamique qu’elle a façonnée dans le West End de Toronto.
Sandy Pandya a passé la majeure partie de sa carrière à décliner les entrevues — non pas faute d’histoires à raconter, mais par volonté constante de laisser la lumière à ses artistes.
« Ce n'est pas moi la vedette, c'est eux », affirme-t-elle en évoquant les créateurs qu’elle accompagne. « Mon rôle est de mettre leur musique en valeur et de la faire rayonner. »
Ces dernières années ont toutefois marqué un tournant. En coulisses, ArtHaus, l’entreprise torontoise qu’elle dirige, poursuit l’expansion de ses initiatives communautaires et à but non lucratif, rendant son travail plus visible que jamais.
Lors des Prix Juno, Pandya — figure incontournable ayant collaboré avec certains des plus grands noms de la musique canadienne — recevra le prix Walt Grealis, une distinction qui honore les « personnes ayant contribué à la croissance et au développement de l’industrie musicale canadienne ».
Lorsque Allan Reid, président et directeur général de CARAS, s’est présenté en personne au siège d’ArtHaus — une ancienne usine de cornichons de plusieurs étages située dans le quartier Little Portugal, à quelques pas du studio et de la maison d’artistes — Pandya avait déjà en tête une liste de personnalités, dont plusieurs femmes, qu’elle estimait dignes de cette reconnaissance. Reid partageait son avis, raconte-t-elle, mais a d’abord insisté sur une évidence : elle méritait elle aussi cet honneur, dès maintenant.
Depuis l’annonce, Pandya observe déjà des retombées concrètes. Cette reconnaissance a renforcé sa crédibilité auprès des partenaires institutionnels et privés, facilitant les discussions autour du financement des projets portés par ArtHaus Community — notamment l’accès à des logements et à des espaces de création pour artistes et jeunes professionnels.
« Nous avons besoin de fonds publics pour poursuivre ce travail », explique-t-elle. « Une grande part provient de nos propres ressources, mais je ne peux pas tout assumer seule. »
À partir de ce même lieu, Pandya décrit ArtHaus comme « une entreprise multimédia culturelle », tant ses activités — gestion, label et édition — dépassent les cadres traditionnels.
L’organisation traverse une période particulièrement dynamique. Adria Kain décroche une deuxième nomination aux Junos dans la catégorie Meilleur enregistrement R&B de l’année. Le chanteur certifié or TALK prépare un nouvel album, tandis que des artistes comme Kuzi Cee, Badchild, Yanchan et Raymond Salgado multiplient les projets et jalons importants.
Mais Pandya se dit tout aussi fière de l’essor des programmes communautaires développés durant la pandémie — une période rare où elle a enfin eu « le temps de s’asseoir et de rêver ».
Elle revient aussi sur son propre parcours. Née au Kenya, arrivée enfant en Saskatchewan, elle découvre la scène musicale en fondant le Café A Go Go à Regina, un espace alternatif devenu un lieu de rassemblement créatif. Le fil conducteur de cette trajectoire demeure inchangé : la communauté — comment la bâtir, la transmettre et créer des réseaux capables de soutenir des carrières durables dans la culture.
Quand quelqu’un vous demande ce qu’est ArtHaus, comment le définissez-vous ?
Je ne dis jamais que nous sommes un label, une maison d’édition ou une société de management. À mes yeux, c’est l’avenir de ce secteur. J’ai passé la majeure partie de ma carrière dans le management, et l’association à but non lucratif est née pendant la pandémie.
D’habitude, mon téléphone sonne à 4 h du matin parce que quelqu’un est coincé quelque part ou traverse une crise. Cette fois, on a eu le temps de s’asseoir et de rêver. Pour moi, c’est un retour aux sources, à mes racines.
Comment votre carrière a-t-elle débuté ?
Je suis immigrante. Nous avons quitté l’Afrique dans des circonstances extrêmement difficiles. Ma sœur et moi avons été gazées au Kenya, puis séparées de notre famille pendant plusieurs jours. Mon père a dit : « C’est trop dangereux, il faut partir. » Nous sommes donc venues au Canada et nous nous sommes installées à Regina, en Saskatchewan. Je me souviens encore de la neige jusqu’ici.
Mon père a ouvert un restaurant à Regina. Nous étions peut-être la première ou la deuxième famille d’origine indienne du quartier. Le racisme était virulent. Il y avait mes trois frères, mes parents et moi. Mes parents travaillaient sans cesse; en pratique, mon frère et moi avons élevé les enfants.
Comment êtes-vous entrée dans l’industrie musicale ?
J’y suis arrivée un peu par hasard. J’ai ouvert un café, le Café A Go Go. On l’a lancé pour payer mes études. J’ai étudié la psychologie et la sociologie. Je voulais devenir avocate en droit criminel ou travailler en psychologie.
Le soir, on transformait le restaurant : rideaux, nappes tie-dye, ambiance complète. C’est devenu extrêmement populaire. Si vous étiez un grand groupe canadien, vous veniez jammer chez moi. On a accueilli un nombre incalculable de fois 54-40, Chalk Circle, Rheostatics, Change of Heart. On organisait aussi des expositions, des lectures de poésie, du dub poetry. Plusieurs écrivains majeurs de l’époque — Sean Virgo, Patrick Lane, Lorna Crozier — y ont fait leurs premières lectures publiques. C’était un lieu multimédia, un milieu vibrant.
Je n’ai vu la télévision qu’à 10 ans. J’ai entendu un disque pour la première fois vers 12 ans. On n’avait pas tout ça en Afrique. Tout est né d’une nécessité : on était tous étudiants et on se partageait les bénéfices. Et ça a été un succès retentissant.
Comment l’esprit du Café A Go Go se reflète-t-il dans votre travail actuel ?
Quand il y avait trop de monde, on vous offrait un samosa. Si vous deviez attendre, on vous apportait de l’eau. On traitait les gens avec respect et dignité — et on traitait les artistes de la même façon. On obtient beaucoup plus en respectant les gens qu’en étant irrespectueux. Cette idée de communauté, de traiter tout le monde comme une famille, c’est ce que tout cela représente pour moi.
Quelles ont été les réalités les plus difficiles au début de votre carrière ?
Le plus dur, c’était ce qui découlait du fait d’être une femme. Je me souviens du nombre de fois où on m’a dit : « Je jouerai dans votre café si… » — vous voyez la suite. J’étais mortifiée.
Plus tard, chez RCA Records, on m’avait dit que les femmes n’avaient pas le droit de porter des jeans au travail. C’était une question posée à l’entrevue. Les femmes n’y avaient droit qu’un vendredi sur deux. Quand les bureaux ont déménagé au centre-ville, j’ai dit non. J’ai mis un jean. On m’a convoquée; j’ai répondu : « Allez vous faire voir », puis je suis partie.
En management, vous avez été parmi les premières à négocier des contrats protégeant les artistes à long terme. Qu’est-ce que vous demandiez que les autres ne demandaient pas ?
J’avais un artiste en pleine surenchère. Je me suis dit : « Qu’est-ce qu’on peut demander de plus ? » J’ai demandé une équipe de stylistes, du soutien psychologique, des filets de sécurité, et un budget de déplacements. Il fallait faire preuve de créativité et exiger des éléments qu’on ne retrouve pas habituellement dans les contrats.
Lors d’une autre surenchère, j’ai demandé des actions de l’entreprise. Si la valeur montait grâce à cet artiste, il était logique qu’on en bénéficie aussi. Edgar Bronfman m’a appelée à ce sujet. J’étais nerveuse. Aujourd’hui, Warner offre des actions à ses artistes. J’ai toujours réfléchi à ce qui sert le mieux leurs intérêts et à la manière de pérenniser leur carrière.
Beaucoup de vos gestes ouvrent la voie à la prochaine génération. Comment encouragez-vous cela à ArtHaus ?
Je suis passionnée par la nouvelle génération d’artistes et d’entrepreneurs. Je consacre beaucoup de temps à leur fournir ce qui m’a manqué : formation, infrastructure, sens des affaires. Aujourd’hui, artistes et managers doivent être entrepreneurs. Et la santé mentale est essentielle. Ne pas pouvoir payer son loyer, ne pas pouvoir se nourrir correctement — ce sont aussi des enjeux de santé mentale.
J’ai une équipe remarquable, composée de personnes brillantes que j’ai eu le privilège d’accompagner.
Vous avez lancé ArtHaus Community pendant la pandémie avec Serena Ryder. Qu’est-ce qui vous a inspirée ?
Encore une fois, la nécessité. Serena et moi avions repris la maison avec une politique de porte ouverte. Nous avons organisé des ateliers de santé mentale sur Zoom, qui affichaient complet. Nous faisions appel à des thérapeutes spécialisés pour différentes communautés.
Puis, grâce à un partenariat avec PortsToronto, la Ville de Toronto et Ontario Creates, nous avons ouvert un café à l’aéroport Billy Bishop avec des performances d’artistes. Cela permettait à plusieurs de payer leurs dépenses essentielles.
Aujourd’hui, nous collaborons avec de nombreuses organisations, notamment ADVANCE avec le programme Inside Live.
En 2025, vous avez lancé SAMA. Qu’est-ce qui vous a inspirée ?
C’est notre programme phare. Nous voulons qu’il ait une portée mondiale. Pour rejoindre la communauté sud-asiatique, nous allons directement là où elle se trouve : temples, gurdwaras, commerces.
Ninad Tripathi est mon cofondateur, et Ikky notre ambassadeur. Nous cherchons à unifier un secteur aux multiples identités culturelles. La victoire de l’un est la victoire de tous.
Selon vous, quel est le plus grand défi de l’industrie musicale aujourd’hui ?
La surcharge d’informations. Comme tout le monde peut publier sa musique, on ne prend plus le temps de sélectionner ni de viser l’excellence. Il faut respirer, attendre d’être prêt.
La musique reste au cœur des expériences humaines. Une grande chanson reste une grande chanson. Ce qui manque aujourd’hui, c’est un véritable travail de curation. Privilégiez toujours la qualité.
